Antonio de Pinto. El cantautor tras la entrevista. Foto: Inma Luna.

Me encuentro con Antonio de Pinto en el bar del centro de arte Reina Sofía. Sólo nos habíamos visto en uno de sus conciertos pero nos reconocemos enseguida.

Le propongo un juego, utilizar los versos de sus canciones para ir hilando nuestra conversación.

Se trata de las canciones de su nuevo disco, [Dentro del cuento->http://www.larepublicacultural.es/article5313.html]. Así pues, todo lo entrecomillado lo canta él y yo no hago más que írselo recordando para ver qué me cuenta…

“A ras de tierra: Mil manos para recoger y ninguna para dar”

Creo que  esto no es nada nuevo, de hecho esta canción está compuesta hace 15 años, cuando empezada. Creo que en los días en que vivimos, si hay algo con lo que cohabitamos es con el egoísmo, no sólo hacia los demás sino con uno mismo.

¿Crees que vivimos momentos de insolidaridad o sólo por parte de algunos?

Por un lado, son momentos en los que, por estética, hablamos mucho de solidaridad pero cuando la mano de  los bancos arrecia también la gente se vuelve más hacia sí misma para retener lo poco que le queda porque son momentos confusos. Cuando hay etapas como esta, de medio revolución, las personas dan su mejor y su peor cara; son momentos muy ricos emocionalmente.

“Háblame bajito para que yo entienda”

Siempre me ha molestado la gente demasiado superlativa, me encuentro mejor en la tranquilidad, soy tímido y noto que me desenvuelvo mejor entre gente tranquila, que sabe escuchar  y deja hablar, que no es fácil.

¿Crees se puede hacer una revolución hablando bajito?

No tengo ni idea. Supongo que podría ser, que sería una buena forma  pero, por otro lado, también pienso que habría que levantar la voz… No, no creo que se pueda hacer en voz baja.

 “Si hubiera un dios debiera morir”

Si realmente esto es mano de algún dios, cosa que dudo mucho, realmente no se lo curró todo lo que debería, sobre todo por lo que sabemos a través de las diferentes religiones. Creo que hacen mucho daño, que entorpecen más que ayudan, es uno de los problemas mundiales, el enfrentamiento cultural, espero que se vaya suavizando con el tiempo, empezando por la nuestra, claro.

“Va por dentro, alimenta tu valor / es una etiqueta que no tiene precio hoy”

Esto lo digo en Adivinanza, es una canción reciente, relacionada con el 15M, con la dignidad, que es precisamente la respuesta a esa adivinanza, de hecho se iba a titular así, Dignidad, pero como la estructura es la de una adivinanza decidí cambiarlo.

La dignidad es algo que no tiene precio, es una especie de ropa interior  que hace que te sientas mejor, que sientas que la ética está contigo, algo que te define. Una de las cosas que más me preocupa es que el trato con mis amigos sea honesto, que no haya dobles caras, que sea transparente; respecto a lo que hago, a mi profesión, creo que lo digno es intentar tener el centro de gravedad en ti mismo, no estar manipulado por la demanda que la sociedad tiene, esto es lo que más me interesa, el nivel de cercanía y lo que puedo hacer como autor.

De todas formas, nadie es perfecto, es fácil perder la dignidad en muchos niveles, no sé hasta qué punto es censurable en el caso de gente que para poder sobrevivir tiene que hacer cosas que no son del todo dignas y tal como están los tiempos…

“Quién entregara sólo un año, un mes, un día, por levantar a pulso un nuevo Sol en nuestras vidas”

Esto lo saqué de una película argentina en la que un cura, durante la misa, les dice a los parroquianos que son unos falsos y que se tenían que acoger a la vida de Cristo, que si dedicasen al menos un minuto al día a comportarse como él, todo iría mejor. En mi canción lo puse en boca de un mendigo porque pensé que si das una limosna y alguien te contesta algo así, realmente la limosna la recibes tú.

¿La música, la poesía, colaboran de alguna forma en ese impulso por levantar un nuevo sol?

Lo que pueden hacer es cambiar la estética o la manera de ver las cosas. También influye después en los referentes, no es lo mismo tener como referente a Joan Manuel Serrat que tener como referente a David Bisbal. Supongo que sí ayuda de alguna manera que la gente haga las cosas con cierta honestidad y dignidad, hace que los valores que transmites tengan un peso y eso a lo mejor puede modificar de alguna manera la expectativa de la gente que lo escucha, no sé hasta qué punto puede cambiar la sociedad, me parece una meta demasiado lejana para mí, no es lo que me propongo. Yo lo que me propongo es intentar describir más o menos cercanamente lo que vivo.

Hablando de referentes, ¿has echado de menos algunas voces críticas entre los cantautores que se supone que quieren otra manera de vivir, no has notado a gente muy callada?

Supongo que según les vaya, estoy bastante apartado de algunas relaciones como para saber hasta qué punto están comprometidos porque puede parecer que permanecen en silencio y a lo mejor no. Lo que sí es verdad es que la canción de autor pasó de ser algo de origen comprometido, porque veníamos de  los cantautores de la transición, a ser otra cosa más relacionada con la inadaptación emocional.

Supongo que esto es algo cíclico pero la mayoría de los cantautores ahora se alejan de lo social para ir hacia un icono pop. Me parece también una cuestión de referentes, antes gustaba Silvio Rodríguez o Serrat y ahora Antonio Vega.

“El viento susurraba lo inevitable, el fin (…) la mano del invierno trazó en la nieve el porvenir”

Esta canción surge la serie Doctor en Alaska, del personaje del indio que contaba cuentos sobre la relación con la tierra, el lenguaje de la tierra. La canción habla de la pérdida del contacto con las señales de la tierra, de alguien que se adentra en el paisaje pero no entiende ese lenguaje, por eso dice “la mano del invierno trazó en la nieve el porvenir”, eso me gusta porque es como si el porvenir se deshiciera cuando llega el sol.

“Para vivir me inventé, desperté”

Al final eres un proyecto, no eres lo que eres, de alguna manera tienes unos condicionantes pero tienes posibilidades de inventarte. Las fronteras son complicadas pero hay cosas en las que puedes ir mejorando poco a poco, tener una proyección de lo que puedes llegar a ser. De pronto despiertas y te das cuenta de que nada está hecho y que todo está por hacer.

Yo tengo una idea de lo que quiero hacer que pocas veces coincide con lo que hago, me gusta pensar eso cada vez que hago un disco, no me quedo en lo ya hecho por eso hago un disco cada vez que termino de componer porque para mí es como cerrar página y pensar: éste era yo hasta ahora. Luego, volver a quedarme en blanco y afrontar el riesgo, es bonito, no da una idea de qué manera somos.

A nivel personal intento pulirme, ser cada día más malo, o más bueno, no sé pero un poco más.

“Hay cosas que yo también quiero olvidar”

Esto pertenece a la canción  El Rey, es una canción muy dura porque trata sobre el  alzheimer, está hecha a mi padre. Mi madre era la reina en la sombra, no tenía papeles de la casa ni nada, sólo tenía que ser ama de casa. Cuando desaparece la figura paterna es como un dominó que tira todo para abajo y alguien tiene que sostenerlo y en este caso me ha tocado a mí.

La canción es complicada  porque mi padre era un tipo muy complicado, como hijo es difícil aceptar la pérdida del rey, es muy importante para mí, para el resto es algo críptica. Es una canción triste pero es lo que vives, hay que soltarlo, a mí me hace bien,  aunque no puedo pensarla mientras la canto.

La entiendo mejor ahora que cuando la hice.

“Subir, bajar / hoy quiero pedalear / firme y veloz / por las cuestas del amor / guiando el manillar/rumbo al Sol”

Esto pertenece a una canción muy liviana. Hacía trial-sin cuando era adolescente, nos íbamos por pueblos era todo jovial y feliz, me lo pasé muy haciéndola. La bici tiene algo de luz, da felicidad.

“Suelo callar por decir la verdad / a veces tiemblo al mirar atrás”

Las palabras a veces lo estropean todo, a veces dice más un gesto que las palabras. Miramos atrás y vemos lo que llevamos, lo que vamos acumulando en la mochila. No soy muy nostálgico, ahora me pasan cosas y me veo más fuerte, algún día puede pasarme algo pero hay gente que depende de mí y no puedo amilanarme por cualquier cosa, echo de menos a los amigos pero cuando llegamos a cierta edad parece que la gente se conforma con la idea que tenía antes de la amistad y ahora lo vivimos más en el recuerdo.

“La respuesta en busca de la pregunta / cada día”

Esto tiene cierto componente religioso, la respuesta es obvia: somos nosotros. Pero necesitamos la pregunta, es algo que podemos buscar a través de la filosofía o de la religión.

“Candela luz de mi reino interior / hay tanta pompa por reventar / hay tanta luz artificial”

Es una canción más ingenua, un poco Herman Hesse hay algo que casi me molesta pero al tiempo me gusta, hay una pompa creada, una manera de vivir estandarizada, hay actitudes que pueden marcar algo diferencial como la poesía o la canción es de alguna manera diferente de ver la vida.

Ahora hay mucha luz artificial, la televisión es la luz artificial por antonomasia. La diferencia entre autor y artista es fundamental, el autor es inseguro y el artista tiene que ser todo lo contrario, expresar seguridad en todo momento, la única manera de resolverlo es la impostura, tienes que fingir ser alguien que no eres; ser artista con naturalidad es difícil, la impostura me echa para atrás, cuando se nota mucho, cuando no me creo lo que estoy viendo o escuchando.

“Que un beso salve al mundo/ que hoy tenga ganas de jugar”

Eso siempre nos queda, el amor puede ser un invento pero… es algo parecido a la religión puedes tener fe o no, es una religión bella en la que se debe creer, es una ética para ateos, si no crees en él cierras un campo extensísimo, algo que no te deja vivir bien.

Es bueno pensar que un beso pueda salvar tu mundo o conseguir que todo, de repente, cambie y que recuperemos esa parte de la infancia, del juego.

A lo largo del disco, empezando por el título, se observan muchos paralelismos con cosas relacionadas con la infancia.

El disco se iba a llamar Extroversión porque el anterior era demasiado personalista, quería hacer alguna postal, retratos de gente, cuentos…, esa era la idea pero según fui cerrando el repertorio me di cuenta de que todo tenía mucho que ver con los cuentos y ya la propia canción “…era un cuento dentro del cuento…”,  siempre me han gustado mucho los cuentos, especialmente los de Óscar Wilde, me desvelan maneras de entender las cosas.

“Son sus casas de cuento / pero nada es mentira / hay canciones en las calles/magia en las esquinas”

Esta canción nace en un pueblo de Huesca, llegué allí y fue impresionante porque estaba el festival de Pirineos Sur y había magos por las calles, músicos, escenarios…, todo era mágico y fue la primera impresión que tuve, la compuse nada más llegar del viaje y me acompañó la lectura de Julio Llamazares, La Lluvia amarilla, respecto a los últimos habitantes de un pequeño pueblo, es un libro con una preciosa prosa poética, en la canción combiné ambas impresiones.

“Subo/ por las escaleras / de mi conciencia/hasta llegar a la recta final”

Una vez salía de un concierto y había cantado cosas que podrían parecer un poco tristes,  yo no lo considero así sino más bien realista, pero me dijo una chica: por qué no te suicidas.  Pensé: pues lo voy a hacer. Todos tenemos un lastre, que es la propia personalidad, las decisiones que tomas a los 18 ó 20 años, cuando llegas a los 40 te lo planteas y hay que suicidarse todos los días, romper. Por eso salto y cambio, me quito trabas, no hay que aniquilarse sino cambiar. Decimo que somos de una manera pero somos más poliédricos,  siempre se puede cambiar,  que tu manera de entender de las cosas sea de otra manera.

“A todo o nada / pero esta vez nos tocará ganar”

Esta canción hay que interpretarla como lo que es, está hecha en mi adolescencia, jugábamos al fútbol, perdíamos por goleada, éramos malísimos, las chicas cambiaban, se volvían mayores…, en ese desconcierto está hecha, son deudas, cosas que merecen una canción.

Pues a ver si nos toca…

Hay que ser positivos, otro mundo es posible.

El reino dividido. Portada del tercer volumen de la Trilogía transilvana de Miklós Bánffy.

En 1917, entre los vistosos actos de la coronación del príncipe Károly IV, se incluyó inesperadamente un desfile de inválidos de guerra. Durante unas horas las elegantes y perfumadas damas con sus vestidos importados de París y los refinados caballeros expertos en las suertes de la caza y en la cría de caballos pura sangre, y hasta el mismo rey, tuvieron que contemplar aquella marcha interminable de lisiados que acababan de volver del frente, hombres de todas las edades y de todas las etnias que poblaban aquel rincón del Imperio Austro-Húngaro. El responsable de los actos de la coronación era un noble húngaro llamado Miklós Bánffy, miembro de una de las más antiguas estirpes de la aristocracia transilvana.

Bánffy fue heredero del poder feudal que dominó Transilvania desde el siglo XIII, un poder cuyo desenvolvimiento a lo largo de cinco siglos es inseparable de la compleja historia de los Balcanes, y entre cuyos actores, además de los linajudos terratenientes húngaros, figuraban los siervos rumanos (que eran mayoría), una próspera minoría de comerciantes sajones y la comunidad gitana, cuya visibilidad estaba limitada a los festejos y a las grandes ocasiones, en su calidad de excelentes músicos. Todavía hoy Transilvania conserva huellas de todas esas comunidades, en especial de la húngara, a cuyo actual auge, al que acompaña por cierto una creciente reclamación de autonomía política, hay que atribuir la recuperación de este autor olvidado, cuya obra más importante, laTrilogía transilvana, fue editada en 2006 en Hungría, y recientemente en España por la editorial Libros del Asteroide.

El joven Miklós Bánffy creció en la propiedad familiar de Bonţida, en el distrito de Cluj, y si bien su padre le obligó a estudiar Derecho, primero en Kolozsvár y luego en Budapest, sus intereses se orientaron muy pronto hacia el arte. Fue discípulo del pintor de temas históricos Bertalan Székely, y con el tiempo llegaría a diseñar los decorados de la ópera de Béla Bartók El castillo de Barba Azul, estrenada en la Ópera Nacional, de la que el propio Bánffy era intendente. Junto a su primo Mihály Károlyi, que fue primer ministro tras la Revolución de los Crisantemos y que proclamó en noviembre de 1918 la República Popular de Hungría, leyó la obra de Karl Marx y se interesó por el socialismo y el cooperativismo, ideas que trataría de adaptar a sus propiedades de Transilvania, con escaso éxito. Escribió diversos dramas, entre ellos Atila, Gran Señor; fue miembro de la Compañía Kisfaludy, prestigioso círculo de escritores; fundó una editorial húngara en Transilvania; al acabar la Gran Guerra, sus tierras pasan a formar parte de la nueva Rumanía, y él regresa a Bonţida con la intención de recuperarlas; en 1921 fue nombrado ministro de Asuntos Exteriores. Escribió varias novelas, una de ellas dedicada a la resistencia yugoslava durante la II Guerra Mundial. Y aún tuvo tiempo, en su juventud, de llevar una vida desenfrenada y de verse envuelto en un turbio asunto de letras de cambio, por el que debió pasar algún tiempo bajo tutela familiar. En la última postguerra vivió malamente en lo que quedaba de su palacio de Kolozsvár, que abandonó en 1947 para trasladarse a Budapest, donde murió, completamente olvidado, en 1950.

La Trilogía transilvana es la gran obra literaria de Bánffy, que escribió en los años treinta. La narración se desarrolla entre los años 1904 y 1914 en Transilvania y episódicamente en Budapest. Pese a su dimensión monumental y al gran número de sus personajes, los tres volúmenes ostentan una unidad narrativa reconocible y centrada en dos personajes, representante cada uno de un estado diferente de la aristocracia húngara de Transilvania pocos años antes de su desaparición: Bálint Abády es un joven diputado sobre el que pesa la carga de los deberes y responsabilidades que sus mayores le han inculcado hacia las gentes humildes de su distrito y hacia su patria. El otro héroe, Lászlo Gyerőffy, es la contrafigura del anterior, y ya desde las primeras páginas se nos aparece marcado por la trágica historia de sus padres, historia que se irá desvelando poco a poco y que crea en el personaje una conciencia de hostilidad hacia el entorno y sobre todo hacia sí mismo.

La existencia de Abády se reparte en tres ámbitos, lo que da pie al autor a mostrarnos un cuadro completo de la sociedad húngara del momento. Por una parte la vida parlamentaria, por la que tenemos acceso a los grandes conflictos nacionalistas que socavaban el Imperio y a la vez a los asuntos internacionales, en especial la caprichosa política de alianzas, cosas ambas que acabarían por desencadenar la Gran Guerra. Por otra, sus actividades como diputado y terrateniente en las tierras de su propiedad, en la que gran parte de sus proyectos modernizadores quedarán frustrados a causa principalmente de la inquina entre húngaros y rumanos. Pero la mayor inquietud de Bálint Abády, y la que mejor retrata su psicología, es Adrienne, compañera de la infancia y ahora esposa y madre con la que protagoniza una historia de amor de las más bellas que fueron escritas el siglo pasado y que sitúa a esta pareja a la altura de los grandes amantes del siglo romántico.

Pero si la historia de Abády nos recuerda inmediatamente a algunas de Tolstoi, la del malogrado Lászlo Gyerőffy nos conduce a la esfera de los personajes atormentados de Dostoyevski. En efecto, sobre su vida no pesa ninguna responsabilidad, es un completo “hombre superfluo” que dilapidará su talento como músico en las mesas de juego, y que ahogará sus penas en alcohol. Así, Gyerőffy se hundirá más cuanto mayor sea la solicitud con la que los otros acudan en su auxilio, y esto en virtud de un tan insalvable como necio orgullo. Un sentimiento, por lo demás, que ocupa una parte central en la época y en el mundo en que se desenvuelven los personajes, ambos de inspiración autobiográfica, y que trasciende en la minuciosa y precisa descripción de la sociedad del momento. Esta descripción alcanza niveles de detallismo desconocidos hasta ahora en la pintura que el autor nos hace de los actos sociales de la aristocracia transilvana: comidas, cenas, bodas, entierros, duelos de honor, mercados benéficos, carreras de caballos, con toda la etiqueta, la pompa y el protocolo que los acompañaban. Sin embargo, los actos sociales en los que Bánffy se explaya de manera casi convulsiva son los bailes y las cacerías. Aquí el autor se expresa con la plena conciencia de ser el único testigo de un tiempo que cuando él escribía ya había acabado, y decidido por ello a dejar testimonio de un mundo que vivía en el mayor y más despreocupado esplendor sin poder imaginar que su fin estaba ya a la vuelta de la esquina.

Si Eduard von Keyserling fue el cronista de la extinción de la aristocracia germánica en el Báltico, Bánffy lo es sin duda de la húngara en Transilvania, si bien las técnicas utilizadas por éste son muy distintas de las de aquél, pues si Keyserling situó el drama de sus personajes en la intimidad de sus propias conciencias, y por tanto en una esfera literaria que ya pertenecía por entero al siglo XX, Bánffy recurrió mayormente a lo que sucedía “en público”, a la acción, para lo que no tuvo reparo en poner a su servicio todos los recursos que la novela decimonónica ponía a su alcance, incluyendo algunos no siempre bien vistos, como el folletín. Por aquí, junto a las influencias rusas ya mencionadas, penetran en la literatura de Bánffy aires procedentes de Centroeuropa y en especial de Viena, entre ellos los muy identificables de Stefan Zweig y Arthur Schnitzler.

Los personajes de estas novelas están llenos de vida, incluso cuando, como sucede en el caso de Lászlo Gyerőffy, la vida no está abocada sino a la autodestrucción. Que el autor nos describa con pasión de documentalista hasta el menor detalle de aquella sociedad y de su forma de vida, sin descuidar las indumentarias, la decoración de los salones, la arquitectura de los palacios, y, de manera destacada, la soberbia naturaleza transilvana, contribuye a hacerlos aún más creíbles, iluminados como están por esa visión hiperrealista, y a que sus destinos nos resulten más conmovedores. Pues viene a ser cierto que finalmente importaba poco la trayectoria personal de cada uno de los héroes, el digno y responsable Abády y el inútil y trágico Gyerőffy. La Historia los arrastró a todos, como también sus bailes y cacerías, sus inexpertas y encantadoras jovencitas casaderas y sus vigilantes madres. Consta que el autor escribió un cuarto volumen que debía continuar la historia de estos personajes y en el que, quién sabe, quizá alguno de ellos encontrara su consumación. Pero nunca lo sabremos, ya que el manuscrito, como la época, desapareció durante la última guerra. Y es que la literatura, también en esto, ha querido ser fiel a la realidad hasta el final.

The Take. Carátula del documental de Avi Lewis y Naomi Klein.

El documental se desarrolla en Argentina, en los momentos posteriores a la crisis económica de 2001. Un puñado de trabajadores regresa a Forja San Martín, una fábrica en los suburbios donde trabajaban antes de que esta echara el cierre y les pusiera a todos de patitas en la calle. Es el reencuentro, emotivo e indignado, con el que fuera su lugar de trabajo durante años, ahora tan vacío que ya ni siquiera las palomas osan entrar en él.

Los trabajadores tienen un plan: tomar, ocupar la fábrica como muchas otras factorías han sido tomadas por trabajadores asfixiados por su situación económica, y con el noble objetivo de hacer que vuelvan a producir. La película cuenta esta historia de lucha, sumergiendo al espectador en los problemas de esos trabajadores y en todas las dificultades que les van saliendo al paso: amenazas de un “salvapatrias” llamado Menem, el miedo ante una siempre inminente intervención policial, el desánimo, la burocracia, la corrupción…

De fondo, las próximas elecciones, el fanatismo ideológico, el clientelismo, la lucha de los políticos por hacerse con el poder; paradójicamente, son esos mismos políticos los que han llevado a un país rico al caos, a la miseria en que se encuentra en el momento que refleja The Take.

Asistimos a escenas de familias preocupadas, que se debaten entre pagar sus deudas o comer; a reuniones de trabajadores votando en asamblea los pasos a seguir; a encuentros en hoteles de lujo donde los representantes del FMI negocian con representantes de los partidos el pago de la deuda argentina. No es solo el caso de Forja San Martin, es también Krugman (desalojada a la fuerza por la policía), Zanon y así hasta 200 centros expropiados por los trabajadores, trabajando de manera cooperativista y con las peculiaridades propias de cada explotación, al margen del poder establecido.

El lema es “ocupa, resiste, produce”. Es la toma de los centros de trabajo, pero también la toma de conciencia por parte de los obreros. Ante la negativa de la juez encargada del caso (en una escena kafkiana en que escuchamos lo que pasa pero no lo vemos), los obreros protagonistas tienen que trasladar sus peticiones hasta el parlamento. La batalla política es finalmente ganada por Nestor Kirchner.

The Take contiene momentos hilarantes, como esa entrevista al dueño de la fábrica, convencido de que la razón está de su parte, y que manifiesta haber ido a visitar a Menem a la cárcel, donde este le ha prometido que le devolverá la propiedad de la empresa en cuanto recupere el poder; o el discurso de uno de los trabajadores, peronista convencido, que defiende a su partido entre las risas de sus compañeros descreídos de toda la clase política.

El DVD también incluye algunos extras interesantes, como el cortometraje que narra la muerte de Gustavo Benedetto por disparos de las fuerzas de seguridad durante una protesta en 2001, o el making of de The Take, que describe cómo el equipo de rodaje (más animoso que profesional) se trasladó de Canadá a Argentina, con la intención de mostrar la situación caótica que vivía el país, pero sin un plan determinado de rodaje; finalmente son las circunstancias las que les salen al paso y las que van improvisando y escribiendo el guión.

¿A dónde miran las estatuas? Cartel del documental de Jesús Armesto.

¡Bienvenidos los textos fílmicos de “estructura ausente”! ¡Adelante los documentales que ahogan los anclados convencionalismos del género! Es hora de dimensionar los avatares sociológicos y estéticos de discursos “irreverentes y esquivos”.

El cine documental necesita de ese oxígeno para continuar dialogando con su público y con aquel, que (aún) anda cautivo en otras latitudes sociales. Ese que va de letargo por las carrileras de las nuevas tecnologías, que no siempre son sinónimo de cultura y educación. Estas han de ser, (definitivamente) apoyaturas educacionales y resuelto empeño para reconstruir la humanidad. Para crear otro planeta donde nosotros seamos el centro y el eje de todas las voluntades.

Cuando un documentalistas “te pone” ante un filme edificado con señales de múltiples recorridos y formas inconexas me parece fantástico. Me obliga a sacar de los anaqueles de casa los clásicos de todas las humanidades posibles o la suma de artículos vinculados al género. Tan solo para encontrar respuestas ante los derroteros que nos despliega un cineasta.

Jesús Armesto, un realizador andaluz radicado en Catalunya del que ya escribí hace un tiempo sobre su filme: Cuentos de las dos orillas (2007), está fuera de todas las listas posibles. Esas que construyen algunos “críticos” para resolver sus carencias con el público (con el que hacen concesiones), o para entrar en el estatus de los “periodistas del año”. Para formar parte de alguna lista de éxitos, cuando en realidad lo que nos toca hacer es sugerir y construir ideas para el debate social. El mismo público y el urgente debate que el cine y sus autores hacen o deben hacer, desde sus auténticos oficios.

Antes de entrar en las honduras de esta obra cinematográfica presentada bajo el sugerente título de: ¿A dónde miran las estatuas? (2011), cabe una reflexión de paralelismos. El autor y su equipo de realización nos presentan un documental, permeado de poesía donde las metáforas van “in crescendo”. Desatado desde el lirismo activo ante las claras cimientes del punto de vista.

¿Está construyendo este cineasta un sello cinematográfico? Es pronto para responder a esta interrogante. De cualquier manera los estilos pueden ser un boomerang. Este término suele ser un catalizador para las etiquetas, para los aferrados estereotipos culturales.

En todo caso tiene que ver (me arriesgo a la aventura de equivocarme), con una clara intención del autor de alejarse de los documentales clonados. Me refiero a esos filmes que se producen como productos enlatados, salidos de “alguna fábrica de embutidos”, para responder a las “urgencias de la sociedad, la humanidad y el futuro”.

Está claro que el cine tiene el deber de ser una herramienta integradora para incentivar las opiniones y los debates (sobre todo), en torno a los temas más acuciantes que ahogan nuestros tiempos. A no pocos documentales, les falta voluptuosidad, maestría, sello artístico y acento personal.

Lo cierto es que Jesús Armesto lo tiene claro. En una conversación que tuvimos (en pleno corazón del barrio obrero de Vallecas), me confesó que su manera y sus tiempos para el proceso creativo emparentan con lo artesanal. Sin dudas, entronca con su particular discurso narrativo sin dejarse llevar por los ritmos de las “estrepitosas agendas” que imponen los imprescindibles personajes de la producción.

El debate pasa por la necesidad de hacer arte cinematográfico desde los ingredientes más trabajados y lingüísticos. Esta última palabra la veo aplicada a la necesidad de convertir al texto fílmico en una obra de mayor calado. Se impone esquivar la impronta de construir el texto final, evitando los trillados caminos del discurso primario. Alejándose de los manuales y cursillos de última hora concebidos para el género. O de las estéticas “ya probadas” para (en verdad), cimentar o al menos sembrar nuevas formas de hacer cine pensante y pensado

Obviamente es necesario comunicar bien. Es imprescindible entretener al espectador que está saturado de porquería mediática, nociva para el pensamiento crítico y reflexivo. Estamos rodeados de una fauna seudocultural de profunda estructura banal (eso sí), con envoltura de “opereta y comparsa”. No es de extrañar que esta pieza de autor se haga de “otra manera”. El “tablado audiovisual” está (incluso) contaminado, en cierto panorama europeo y latinoamericano.

Pero ¿es posible la poesía y la metáfora en un documental que aborda la realidad? Obviamente la respuesta es demoledoramente afirmativa. Los “pliegues” de los que se apropia el realizador para ir construyendo su obra, parte de una mirada crítica en torno a un tema que subyace en los debates de la sociedad contemporánea. Un debate que está discurriendo en la España profunda, cuyo tema ha sido “heredado” de las tradiciones que hoy están en revisión en cierto sector social.

En este conglomerado sociológico, los jóvenes llevan la batuta y la fuerza de ese otro discurso. Es un discurso ajeno al panfleto y al consumo pasivo del “arte y la cultura”. El creador de este filme, pone “ante la mesa” un asunto que requiere eliminar las telarañas que aún le cubren.

¿Cuál o cuáles son los planteamientos de contenido y estéticos presentes en esta obra documental? Tomo como ejes para el debate, varias de las ideas que el realizador a “dejado” como premisas para el desarrollo de esta obra. Las he tomado de su texto: “Tratamiento breve sobre el documental”. La desglosaré en el mismo orden en la que este “poeta audiovisual” las ha escrito.

En una primera parte del texto Jesús afirma: “¿A dónde miran las estatuas? es un documental de autor que representa la semana santa andaluza desde un prisma personal y artístico, atravesando los límites de la realidad y penetrando en el espacio de emociones y contradicciones que rodean a esta celebración centenaria”.

Sobre esta primera idea, debo de enfatizar que es un documental de autor en toda regla. No voy a entrar en el debate de este tema pues se haría mucho más extensa esta reseña. Me interesa más la afirmación que pone ante el tintero en dos claves: “… límites de la realidad…” y en segundo lugar, “…el espacio de emociones y contradicciones…”.

Esta idea de los límites es muy importante. Estamos ante un tema que tiene mucha relación con la subjetividad, con la visión que cada quien tiene sobre estas fiestas. Los puntos de vistas son muy encontrados y se impone un equilibrio entre ellos. Por un lado están los devotos de estas fiestas. Por el otro los irremediables ateos de los que me siento parte.

Sobre estos dos claros polos del pensamiento el documental se atrinchera, presentando todo un abanico de reflexiones ante un asunto que persiste tras siglos de presencia. El realizador no pretende “meter balas en estas dianas”. La idea es otra, pero es oportuno y necesario visibilizar ante el espectador estos dos cauces y sus variables de trayectorias.

Más importante es el dueto entre las emociones y las contradicciones que estás festividades tienen. Es una costumbre anclada por motivos religiosos. Sin dudas las personas que son devotas de estas fiestas marcan el pulso de su existencia. Pero el documental se adentra en el debate implícito, apelando a las entrevistas desde el primer plano de los testimoniantes. Desde las carrilera de los devotos, la obra documental deja en entre dicho las lagunas de estos interlocutores que siguen con esa fe de cegueras. Siguen obviando la naturaleza y el origen de una religión que debe servir a la humanidad.

La manera (desde la fotografía), en que resuelve el director este capital asunto parte de la sobriedad de los encuadres. Va enfatizando en primerísimos planos para centrar a los personajes en el verdadero dialogo de cara al espectador. Obviamente no revelaré los contenidos de estas declaraciones pues son fundamentales en este texto fílmico.

En una segunda idea, Jesús Armesto esboza la línea de lo estético. “La propuesta cinematográfica está basada en un desarrollo poético compuesto por paisajes sonoros y visuales, que no huyen de la crítica social ni de la observación “contemplativa” de personas, acciones y espacios”.

En este apartado el filme: ¿A dónde miran las estatuas? brota toda una dimensión en la que es muy importante profundizar. Cuando expresa la idea de “paisajes sonoros”, realmente lo es todo.

En un primer nivel del discurso está la voz en off del equipo de realización, que como “sombras” cuestionan ciertos y determinados preceptos de estas festividades. La dosis es la adecuada, se marcan trazos de palabras (a veces fantasmagóricas), para subvertir y aleccionar al espectador sobre las ideas que está defendiendo este filme. Pero este paisaje sonoro no solo son las voces de los creativos. Son también los transeúntes presentados desde el silencio, o los que hacen esas reflexiones ante la cámara. También son los personajes claves de esta puesta cinematográfica, ubicados para subvertir y polemizar ante un juego de preguntas-respuestas. Son esos actores que remueven algunas ideas dentro de las muchas que entroncan en este andamio social.

Claramente estos paisajes sonoros no son nada sin su contraparte visual. La conjugación de estas dos icónicas herramientas del audiovisual son el cerco estético de un filme hecho (por sobre todas las cosas), para hacernos meditar ante un capítulo de la historia de España, que sigue literalmente aferrada en el tiempo.

Vale la pena significar los tipos de paisajes visuales que nos muestra esta obra. Son oportunos recursos para la defensa de la tesis y punto de vista. En esta simbiosis de planos y encuadres no solo destacan los diversos procesos de preparación de las festividades, que han sido utilizados en otros documentales de este tema. Se atisba con clara intención los iconos que son propios de estos “ruedos religiosos”. La manera en que están compuestos dentro del filme en franco y abierto contrapunteo con los ya mencionados paisajes sonoros, son (sin dudas) uno de los grandes aciertos de este documental. Las cuotas son mesuradas, los excesos en este tipo de filmes saturan y alejan al espectador de la intencionalidad reflexiva del autor. El realizador está acompañado por un equipo creativo, comprometido y emparentado con la puesta para la cual han sido convocados y esto es esencial para reverdecer el resultado en pantalla.

El ejercicio que hace la cámara ante la tarea dejada es indagatorio, sin embargo apunta su lente desde el detalle, desde los primeros planos. Son encuadres cautivadores edificados desde una sobria escritura. Sin dudas para no distorsionar la lógica mirada del autor. Esos planos tomados desde lo contemplativo, son en verdad las pautas semióticas para resolver y dar las respuestas, sacadas de ese escenario social del que hacía alusión en una parte inicial de este texto.

En la continuidad de este Tratamiento, Armesto plantea dos ideas separadas, (que están muy relacionadas) y prefiero editarlas como un todo: “Esta pieza es un largometraje que habita entre los ojos de madera de las estatuas de Jesús de Nazaret, y los ojos humanos que los contemplan. Miles de personas acuden cada año a la cita con estas estatuas de madera, que sorprendentemente para muchos, e ineludiblemente para otros, levantan pasiones que atraviesan todos los sentidos, incluso el de la lógica”.

Aquí el realizador confirma una tesis que tiene mucho peso en el documental. Está dilucidando (por una parte) la materialidad del objeto venerado (en este caso) Jesús de Nazaret. Por la otra, nos adentra en el mundo subjetivo de la apoteosis de los creyentes ante un objeto construido por el propio hombre. En este trazo argumental confronta estas dos vertientes utilizando una gama de recursos y personajes traídos para la ocasión. Sin dudas el capitán de este barco se cuestiona ese sesgo de religiosidad, apertrechando su palabra con todas las respuestas posibles.

La multiplicidad de ideas creativas empastadas en el filme, lejos de descalificarle lo engrandece. Intuyo que el realizador sabe que este asunto es polémico y escurridizo. Toca por tanto tirar de todas las apuestas posibles para salir airoso de este debate.

Desde mi perspectiva lo logra con creces. La singularidad de las escenas parte de los testimonios y las argumentaciones de “todas las partes y fuentes posibles”, en la que el creador también toma partido. En la historia del cine documental y en los preceptos que le caracterizan, están bien legitimados e identificados como parte de un discurso y una estructura narrativa circular.

En este apartado hay un claro cuestionamiento en tono de pregunta, ante un proceso de siglos que la modernidad o la contemporaneidad no ha diluido. Se mantiene con la misma fuerza para los que creen en estas festividades, aunque en España hay una visión descafeinada de esta herencia, sobre todo en los jóvenes. Sin embargo las instituciones religiosas se aferran a defender la fuerza de “su iglesia” con datos irreales y sacados de contexto.

El hecho de que la cámara se adentre en la etapa de creación de estas estatuas de madera. O en como son construidas y amoldadas es una idea inteligente. Estamos asistiendo a dos escenas contrapuestas: “el mundo de la realidad y el de la subjetividad”. El filme confronta esa parte idílica, venerada, de masas, que ha sido estudiada por la sociología contemporánea, con los antecedentes de una fiesta que se repite cada año como un ritual revisable.

Jesús Armesto no se queda quieto. No se conforma con desdibujar la tradición con la realidad que es la materia prima de este género. Pone en posiciones encontradas ciertos tópicos que persisten en toda la gama que caracteriza estas recurrentes festividades. En el texto al que hago alusión su autor lo expresa de esta manera: “Paradojas y más paradojas. Dolor versus Amor. Sencillez versus opulencia. Luz versus sombra. Razón versus sentidos. Leyenda versus verdad”.

Al final quedan tan solo dos párrafos para completar los personales apuntes de este realizador que una vez más me permito editar como un todo. “En la semana santa, los ojos de Jesús de Nazaret son de madera y hablan de dolor. Mas, miles de personas lo claman y lo lloran, y lo estampan contra sus pechos. Las estatuas visten doradas, brillantes, en pasos caros, y lloran lágrimas de cristal tallado con brillantes. Mientras tanto, los comedores sociales y los refugios nocturnos están repletos de personas necesitadas. Algunas decenas de voluntarios, religiosos y laicos, alargan sus manos de carne y hueso, entregando su Amor”.

Esta idea es vital. Quizás por mí condición de hombre ateo y mi visión del papel de la iglesia en la sociedad me resulta significativa dentro del conglomerado de apuntes que nos deja este documental.

El filme en este trazo de preguntas no tiene desperdicio. Nuevamente el director de esta puesta cinematográfica se “quita la camisa” (yo lo haría también), para arremeter contra ciertos preceptos y dogmas que sobreviven en las instituciones religiosas y en sus líderes. Que transitan alejados de la realidad económica, social y cultural de estos tiempos.

La cámara vuelve a ocupar ese rol predominante que le caracteriza. Congela en planos distantes pero reveladores, los mundos sombríos y marginales de la España del siglo XXI. Ese descubrir de esta obra documental no es gratuito. Pone ante nuestros ojos y nuestros sentidos las preguntas esenciales de la labor que debería hacer la iglesia y sin embargo, persiste alejada de su responsabilidad (según sus propios manuales), haciendo labor proselitista desde un discurso anquilosado y antiguo. Son una elite edulcorada, frívola y venerada con adornos.

El filme arremete contra la opulencia y el derroche de una institución que debería (desde mi punto de vista) hacer un giro de 360 grados para estar a tono con el entramado social que ellos vocean representar.

En este contrapunteo de la cámara se toma nota de un plano superior. De los iconos que son excesos y derroches de una tradición que debería acompañar al hombre y a la mujer. A los humildes y desposeídos de esta tierra y que Armesto no los presenta sin tapujos, sin vestiduras audiovisuales. Los exhibe sin los recursos trucados de este arte glorioso e impostergable.

Vuelven la entrevista utilizada en pequeñas dosis para completar ese techo de ideas y críticas que legítimamente le son dadas al género y que el autor de este filme hace suyos.

Sus apuntes cierran otro estado de cosas. Nos anticipa otro surco en su filme que no es nada despreciable dada la complejidad y persistencia del tema. El creador deja claro su idea sobre las mezcolanzas tejidas en estas fiestas: “Pero la semana santa, es también Belleza. Tanta, que roza lo sobrenatural. La armonía entre arte, azahar, luna, llanto, saeta, luz, música, infancia,… es irresistible. Perseguimos a la Belleza, nos embriaga, nos confunde con su efímero rastro de felicidad, nos cambia ese instante de vida, transformándolo en algo sublime, eterno. Lo que empezó con una mirada de madera, es ahora una sensación inexplicable. Y no hay ser humano al que no le guste sentir, Sentir, Sentir”.

Al final de estas notas clarifica lo esencial de su trazado cinematográfico. “Toda una gran metáfora del Hombre y su condición, con su humanidad y sus contradicciones, se exhiben a lo largo de una semana que llaman santa: ¿a dónde miran las estatuas?”

Debo enfatizar en la idea de lo que puede representar el icono de Jesús de Nazaret. Es claro el consenso entre los semióticos que un signo es algo que representa. Así, lo que el signo logra es volver a hacer presente algo a alguien. A darle carácter de contemporaneidad a un recurso pretérito que cierto sector predominante utiliza para sus fines ideológicos. El ser humano necesita de respuestas terrenales, de soluciones más cercanas a su entorno para no caer en la tentación de construirse falsas imágenes o referentes distantes.

Es el hombre (en este filme), el eje de la mirada de su realizador. Es la necesidad de revisar nuestra responsabilidad ante la humanidad de la que formamos parte. Las reflexiones, las críticas o las preguntas dejadas, forman parte de la intención del autor para sacudir nuestros anquilosados comportamientos. Las medulares esencias que deben caracterizar el comportamiento de los hombres y las mujeres en nuestros actos y rutas, están claramente expresados en cada una de las partes de esta pieza cinematográfica.

En el documental ¿A dónde miran las estatuas?, circulan (desde muchas envolturas) toda una suma de valores que son necesarios poner en la antesala de nuestras vidas. La vigencia de esta idea tiene que ver con esa verdad preocupante que aflora hoy en medio de una crisis que no solo es económica.

El miedo y el corrosivo individualismo. La necesidad de apertrecharnos de iconos que son impuestos por los círculos de poder. La jerarquización de la solidaridad como el “gran pasto” de nuestras vidas ante la opulencia y el derroche de unos pocos. Son algunos de los subtemas que completan la órbita de esta obra (reitero), de Autor.

La manera en cómo ha sido construida. La singularidad de su estructura narrativa. El tratamiento fotográfico y de puesta en escena. O las entrevistas calibradas como parte de un puzle de muchas notas, son algunos de los aciertos de este documental que requiere una mirada sobria y desprejuiciada. Sobre todo paras los que defienden y legitiman esa arraigada festividad, ajena a los orígenes y a los pilares de preceptos milenarios del cristianismo, que han sido reinterpretados (en todas su historia) de manera altiva y delirante.

Jesús Armesto y su equipo de realización nos dejan con una obra que ha de ser visionada en todos los escenarios posibles. Su visionado traerá airadas polémicas, necesarias para vernos todos en medio de ese tropel de verdades ocultas.

Ante el vacío, la respuesta inteligente, agudo y sin cortapisas. Si la obra está construida desde las raíces de arte, el resultado será oportunamente demoledor. Eso creo.

Convocados a las 20h por el Colectivo de Estudiantes Progresistas de Aragón (CEPA) y otras organizaciones estudiantiles, y a la que asistieron también profesores, miembros del equipo rectoral y representantes de partidos políticos (entre ellos IU), terminaba media hora después con la lectura de un manifiesto y la convocatoria, por parte la Coordinadora de Estudiantes de Enseñanzas Medias, de una huelga para el día 29 de febrero.

Se podían ver pancartasde todo tipo en las que ponía “La Educación no se vende, se defiende“, “Contra las agresiones, lucha por la educación pública“, “Somos IES Luis Vives“, “Animales sueltos, precaución” (en referencia a la policía) o “Educar no es apalear”.

Los concentrados, que cortaron la calle de entrada al recinto universitario, en cuyos alrededores había presencia policial pero que apenas se notaba, coreaban “Menos corrupción, más educación“, “Somos estudiantes, no terroristas” y “Menos represión, más educación“, además de “Estas son nuestras armas” mientras enseñaban las manos.

La concentración finalizó con la lectura de un manifiesto “contra las agresiones policiales en Valencia y por la educación pública“, en el que se ha pedido la dimisión “inmediata” de Paula Sánchez de León, delegado del Gobierno valenciana, en medio de los aplausos de los asistentes.

Tras la concentración, y al igual que pasó en diversas ciudades del Estado, las y los jóvenes concentrados marcharon por el Paseo Fernando el Católico y la Gran Vía hacía la sede del PP, cortando a su paso el tráfico (incluido el tranvía). “Esto nos pasa por tener un gobierno facha” y “No se os necesita ni se os quiere” o “Asesinos a sueldo, abuso de poder” en referencia a los agentes ha sido algunos de los lemas que iban coreando varios cientos de personas, que finalmente acabaron su recorrido en la Plaza del Pilar, frente a la Delegación del Gobierno en Aragón.

Este era el comentario de un agente a otro, ambos pertenecientes a las Unidades de Intervención Policial (UIP) más conocidas como antidisturbios, minutos después de finalizar la manifestación en Madrid en apoyo a las y los estudiantes de Valencia. Se habían anunciado concentraciones en varias ciudades españolas para la jornada del 21 de febrero.

La convocatoria de la Puerta del Sol en Madrid reunió un número importante de personas. Se pudieron escuchar diversas consignas, alguna de ellas pidiendo la dimisión de la delegada del gobierno en la Comunidad Valenciana.

Posteriormente, y de forma espontánea, los asistentes en la Puerta del Sol decidieron realizar una manifestación, que se inició por la calle Preciados hasta llegar a la plaza del Callao, después por la Gran Vía hasta llegar a la calle Alcalá, Cibeles, paseo de Recoletos, plaza de Colón y calle Génova hasta llegar ante la sede del Partido Popular, donde la presencia de policías era muy superior a la existente en la Puerta del Sol. Tras varios minutos, y ya con menor tamaño, la manifestación volvió al Paseo de Recoletos, continuando por el Paseo del Prado hasta llegar a las inmediaciones de la estación de Atocha donde finalizó.

En rueda de prensa en Downing Street junto al jefe del Gobierno español, Mariano Rajoy, Cameron ha agradecido que España se haya “incorporado al esfuerzo europeo” a favor de un embargo petrolero contra Irán, mientras el político español ha indicado al respecto que está “siempre” con sus “aliados”.

El primer ministro británico ha señalado que el embargo petrolero a Irán es una “medida adecuada para demostrar que el Gobierno iraní debe cambiar de curso y abandonar sus planes de armas nucleares”.

Sobre Siria, Cameron ha destacado que el Reino Unido y España comparten además “el compromiso de impulsar las sanciones” contra el régimen de Bachar al Asad, de quien dijo que “ha estado asesinando a su población y sigue haciéndolo a día de hoy”.

Según el “premier” conservador británico, las relaciones entre España y el Reino Unido, que tienen actualmente dirigentes de “centroderecha”, son “sólidas” y de “gran amistad”.

En el mismo sentido se ha expresado Mariano Rajoy, quien dijo que el Reino Unido y España son países “aliados y socios de primer orden”, con unas “magnificas relaciones bilaterales que van a ser mejores, si cabe, en el futuro”, tanto en lo económico como en otros ámbitos.

Agencias

“Aquí están naciendo un gigante, el complejo agroindustrial que lleva en nombre de Santa Inés, esto es una maravilla, yo vine aquí hace dos años cuando estábamos eligiendo el terreno”, dijo el Jefe de Estado en sus primeras palabras.

Lo acompaña los ministros Andrés Izarra, Ricardo Menéndez y el gobernador Adán Chávez.

En días atrás una serie de medios y periodistas de la oposición, en Venezuela y Miami -El Nuevo Herald, para variar-, venían asegurando que el Presidente de la República se encontraba en grave estado de salud en Cuba e incluso llegaron a afirmar que había sido operado de emergencia el pasado viernes en horas de la noche.

24 horas

El capitalismo muestra cada día más sus insaciables ansias de exprimir al trabajador. No contentos con haberse salido con la suya, tras el Real Decreto Ley 3/2012 del 10 de febrero, pretenden ir mucho más allá. En una intervención de José Luis Feito, presidente de la Comisión de Economía y Política Financiera de la CEOE durante el XX Congreso Nacional de la Distribución de la Automoción, las intenciones de la patronal han quedado claras: la reforma laboral no es suficiente, el ultraliberalismo debe imperar en la sociedad.

Feito, que hace ya dos años, en un artículo publicado por el diario El País abogó por el despido libre, por aumentar la precariedad salarial y contra el derecho a la asociación de los trabajadores, volvió a mostrar la cara más agresiva y a la vez más veraz del capitalismo. Su elocuente aportación a los asistentes del susodicho Congreso tuvo su punto más álgido cuando aseguró que es “inconcebible” que los parados cobren prestación alguna si han rechazado una oferta de trabajo.

El principal ideólogo de la CEOE aseveró: “En España hay una mentalidad de que el paro es una especie de renta, y que se tienen dos años para buscar trabajo.”

Esta innegable declaración de intenciones de la patronal, no hace sino aclararnos el camino que quieren  tomar en estos años venideros. La reforma laboral no ha sido suficiente para continuar aumentando la plusvalía que obtienen de cada trabajador, sino que ahora pretenden obligar, bajo coacción, a tener que aceptar condiciones laborales injustas, ya sean por motivos económicos, de potencial o incluso geográficos; pues como recalcó el también presidente del IEE sobre la posible oferta de trabajo: “Como si es en Laponia.”

“Las empresas privadas que prestan servicios públicos a través de las contratas deben asumir el compromiso de garantizar un empleo estable y con derechos”. Así lo ha expresado el concejal de IU Raúl Ariza en la Comisión de Servicios Públicos celebrada esta mañana, en la que ha propuesto ampliar a todos los nuevos pliegos una cláusula que promueva la contratación indefinida de trabajadores y trabajadoras.

“Se puede poner freno a la reforma laboral desde los pliegos de las contratas municipales”, ha subrayado Ariza, quien también hace hincapié en “la importancia de trabajar para introducir cláusulas sociales que regulen, no sólo en el tipo de contrato, sino también en el establecimiento de un salario mínimo de 1.000 euros mensuales, la subrogación de los empleados, la prevención de riesgos laborales o las buenas prácticas en materia de igualdad de género”.

“A semejanza del pliego de ayuda a domicilio, que actualmente ostenta CLECE, se debería hacer extensivo a nuevos contratos el requisito de contar con entre un 75 y un 80% de empleo indefinido –propone Ariza- y reducir esta ratio, supondría un incumplimiento del pliego”. Respecto a este servicio, Ariza ha arrancado de la consejera de Servicios Públicos, Carmen Dueso, el compromiso de revisar trimestralmente el cumplimiento de los parámetros establecidos para esa contrata.